LA PINTURA FLAMENCA DEL SIGLO XV. LOS HERMANOS VAN EYCK
La importancia del “Gótico Internacional” se rompe con la irrupción de la Pintura Flamenca, última fase de la pintura gótica, a partir del primer cuarto del siglo XV, momento en el que el ambiente artístico europeo ve nacer un nuevo centro creador en los Países Bajos, aportando uno de los capítulos más brillantes de la historia de la pintura, en paralelo con el Quattrocento italiano.
La prosperidad económica y el desarrollo comercial ya desde la mitad del siglo XIII, provocan un gran florecimiento urbano y una renovación social con un gran desarrollo burgués, siendo ésta, junto a los gremios, la nobleza y la Iglesia, sus principales clientes.
1- CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA FLAMENCA:
1- CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA FLAMENCA:
· Es una pintura objetiva, gusto por la minuciosidad escandalosa y gran preciosismo en un ESPACIO REDUCIDO DE LA TABLA.
· Representación de cosas cotidianas, en muchas ocasiones de carácter simbólico.
· Realismo, veracidad antes que idealización, captación psicológica de los personajes en los retratos.
· Amor al paisaje. Montañas, caminos que se alejan, prados verdes y bosques reflejados con exactitud. Luces en el horizonte y brillos en las aguas. Cuando la escena es en una habitación, el paisaje suele aparecer a través de una ventana o de una puerta. Esta pasión por el paisaje los acerca a los primeros renacentistas italianos.
· Recreación del espacio mediante la ilusión de la perspectiva, aunque sin llegar a la perspectiva “científica” renacentista.
· La mayoría de las obras son sobre tablas de pequeño tamaño, y con frecuencia son trípticos (tres tablas).
· Lo que se considera su aportación principal es la utilización y el perfeccionamiento de la pintura al óleo, que se incorporará de forma definitiva a la pintura europea. Descubren las propiedades del aceite de linaza o cañamón junto a resinas naturales como aglutinantes de los pigmentos. Esta técnica del óleo, otorga un brillo nuevo a los colores, posibilita la minuciosidad en los detalles, las correcciones durante el proceso de ejecución de la obra, y permite matizar los colores mediante las famosas “veladuras”, capas sutiles y traslúcidas, que se colocan sobre un fondo más denso y resaltan las calidades de los objetos.
Los principales autores de esta escuela son Robert Campin (Maestro de Flamelle), los hermanos Van Eyck ( Hubert, pero fundamentalmente Jan Van Eyck), Rogier Van Der Weyden, Gerard David, Hans Memling, Hugo Van del Goes, Patinir, Brueghel, El Bosco...
Rogier Van der Weyden destacó como dibujante y como pintor, actitudes que ya empezó a cultivar desde su infancia. Sus principales obras fueron “El Descendimiento”, “Políptico del Juicio Final”, “El Calvario” y el “Tríptico de la Adoración de los Reyes”. “El Descendimiento De la Cruz” se encuentra en el Museo Del Prado. Esta obra fue realizada alrededor de 1436, y se trata de un cuadro de gran formato en el que los personajes son casi de tamaño natural. Tiene un fuerte carácter dramático, y los colores son vivos, intensos y brillantes. Destacan los plegados prácticamente geométricos de los personajes. Los cuerpos de la Virgen y de Cristo se disponen siguiendo la misma línea diagonal.
Brueghel el Viejo (1568-1625) fue miembro de una familia de grandes artistas. Alcanzó un gran éxito profesional y social durante su vida. Le unió una gran amistad con otros pintores, entre ellos Rubens. Su espíritu innovador se hace visible y sus paisajes panorámicas, montañosos y de bosques frondosos. Entre sus obras, destacaron algunas como “Los cazadores en la nieve”, “Juego de niños” o “La boda campesina”.
J. Van Aken, El Bosco, nació en 1450 en Holanda, pero realiza sus obras en Flandes. Fue el pintor preferido de Felipe II. Su pintura está impregnada por una visión muy personal, de gran perfección técnica, calidad en el dibujo, fantasía, originalidad e ironía. Una de obras más conocidas es “El jardín de las delicias”, con un punto de vista muy alto, con muchas figuras y gran número de elementos imaginarios y simbólicos. De izquierda a derecha las tablas representan el paraíso terrenal, escenas pasionales y eróticas en la parte central, y el infierno a la derecha. Tradicionalmente se ha interpretado este cuadro como un alegato moralizador contra el pecado de la lujuria. Otras obras importantes de este autor fueron “El carro de heno” o “La mesa de los pecados capitales”.
A España también llegó este estilo, en la llamada “pintura hispanoflamenca”, en la que destacaron Lluís Dalmau y Bartolomé Bermejo.
A España también llegó este estilo, en la llamada “pintura hispanoflamenca”, en la que destacaron Lluís Dalmau y Bartolomé Bermejo.
Jan Van Eyck (1390-1441) nace cuando el llamado “estilo internacional” o “arte de 1400” se encuentra en una etapa de primer desarrollo. Mientras trascurre su infancia y adolescencia alcanzará su punto más elevado. Desde 1425 entra al servicio de Felipe el Bueno, duque de Borgoña. En estos primeros momentos se le atribuyen dos tablas que debieron formar parte de los laterales de un tríptico: “Crucifixión” o “Juicio Final”. Su hermano Hubert fue también un pintor flamenco del gótico, y hermano mayor de Jan, además de su preceptor. Juntos realizaron algunas obras.
Una de sus primeras obras fue el “Políptico del Cordero Místico”, realizada junto a su hermano Húbert en la década de los veinte del siglo XV. Encargada por el matrimonio Vijd, quienes previamente habían financiado la construcción de una capilla propia en el deambulatorio de la Catedral de San Bavon de Gante. Se trata de un políptico abierto, aunque siempre se menciona la Cordero Místico al hablar del título de la obra, no es el protagonista en absoluto. Se divide en dos pisos. En el piso superior, en el centro, aparece la imagen entronizada y solemne de Dios Majestad, cubierta su cabeza con una tiara papal y bendiciendo con su diestra mientras que a ambos lados están María y San Juan Bautista. El fondo no es paisajístico, sino de oro y telas ricas, y presenta un aspecto de icono. En los laterales de este piso superior aparecen dos grupos angélicos, los que cantan y los que tocan instrumentos, y dos magníficas figuras de Adán y Eva que resaltan sobre una especie de nicho con oscuro sombreado que han causado siempre una gran impresión. Eva presenta el vientre deformado. En el piso inferior, “Todos los Santos que adoran al Cordero Místico” aparecen divididos en varios grupos, y son todos identificables. Presenta un punto de vista alto con el fin de ofrecer un panorama que permita un amplio despliegue de las figuras. El paisaje presenta un detallismo inaudito (plantas mediterráneas). La técnica utilizada es evidentemente el óleo. El uso abundante de las veladuras, que son finísimas capas de pintura sobre un fondo más denso y de color más profundo, que permite que se obtenga el efecto de que la pintura brilla y tiene profundidad real. Será característica de la futura pintura flamenca.
Otra de sus obras importantes será el “Políptico cerrado”, con la escena de la “Anunciación” en el piso superior y cuatro grandes nichos enmarcados con arcos y columnillas en el piso inferior (Juan Bautista y Juan Evangelista en el centro flanqueados por Joos Vyd y Elisabeth Borluut.
Entre los años 1432 y 1441, fecha de su muerte, se sitúan todas las obras que con seguridad se le pueden atribuir. Destacan: “Retratos de los esposos Arnolfini” (Lourdes, National Gallery), los retratos de Arnolfini de Berlín, del Cardenal Abbergati, “La Virgen del Canciller Rolín” (Museo del Louvre, París), “La Virgen del Canciller Rolin” (Museo del Louvre, París), “La Virgen y Var del Paele” (1436), “El hombre del turbante” y “Retrato de su esposa Margarita van Eyck” (1439). De esta época abundan los encargos de sus clientes italianos.
La más conocida de todas ellas es la primera. Giovanni Arnolfini, mercader italiano de la toscana, y su esposa, Giovanna Cenanni, pertenecían a familias de cierta importancia de la ciudad de Lucca. No estamos ante un mero retrato, sino que el pintor se manifiesta como testigo de la unión, y se nos sitúa ante algo semejante a un contrato de matrimonio o a una promesa de tal. El matrimonio entonces no requería un sacerdote que sirviera necesariamente de testigo, sino de un acto voluntario de los que iban a desposarse. El modo en que se toman la mano, que parece ser el juramento o promesa. El ambiente elegido es el dormitorio de una casa burguesa: ventana abierta (foco de luz pero no el único), lámpara de un solo cirio encendido (símbolo de Cristo, se utilizaba, entre otras cosas se hacía el juramento matrimonial o algún acto jurídico), perrillo (símbolo de la fertilidad), espejo (refleja, deformado, todo lo que se ve en la habitación; también representa a los dos individuos que están ante los esposos, testigos del pacto matrimonial. Además simboliza la pureza), cabecero de la cama (talla de madera de Santa Margarita sobre el dragón, patrona y protectora de los nacimientos), frutas próximas a la ventana (pureza del hombre antes de la caída), zapatos situados descuidadamente a un lado (recuerdan el pacto de Dios con Moisés y por extensión, con todos los hombres), ricas vestiduras (marcado contraste entre el colorido femenino y la austeridad masculina), el vientre pleno de la esposa (gusto de la época o anuncio de la fecundidad ligada al matrimonio). Todo representado con gran realismo transfigurado y simbolista.
“La Virgen del Canciller Rolin” es otra obra maestra de la pintura, fechada en 1435-1437. Es más que un simple retrato o un cuadro religioso. El Canciller Nicolás Rolín, quizás la personalidad política bogoñona más destacada de la época de Felipe el Bueno, fue uno de los grandes promotores artísticos de su tiempo. Se hizo representar por Van Eyck de una forma que podría considerarse insolente, situándolo en el mismo plano que a la Virgen. El lugar del salón que tiene algo de Iglesia románica o de palacio inventado, con una galería abierta por tres arcos a un relativo exterior. En medio de la sala hay un reclinatorio en el que se arrodilla Nicolás Rolín, vestido de ropajes muy ricos, juntando las manos en oración, con un libro y dirigiendo la vista a la Virgen con el Niño que tiene enfrente. María se encuentra sobre un asiento de madera con un rico cojín, y se cubre con un gran manto rojo. El niño está adelantado y completamente desnudo, con un globo del mundo con una Cruz en la mano izquierda y alzando la mano derecha bendiciendo al Canciller. Completa el cuadro el ángel que sostiene la corona de oro y pedrería sobre la cabeza de María. Pero lo más llamativo de esta pintura es la vista del exterior a través de la galería abierta del fondo: primero un jardín, luego un camino y a continuación un amplio paisaje urbano primero y de campiña en un segundo plano. Muy al fondo montañas abiertas de nieve.
Con esta obra guarda muchas similitudes otra de sus obras maestras, “La Virgen y Van der Paele” (1436). En ella el interior representado es de iglesia románica, con deambulatorio, situando a la Virgen con el niño en la posición del altar. El niño juega con un papagayo, mientras toma un ramo de flores. A nuestra izquierda figura San Donaciano (patrón de Brujas) vestido de obispo con extremado lujo portando una cruz y la rueda con cinco candelas que lo salvó de morir ahogado. A nuestra derecha San Jorge, armado como un caballero, mientras parece proteger al canónigo arrodillado. En la obra aparecen unos magníficos retratos y está llena de detalles impresionantes, típicos de la minuciosidad de la pintura flamenca y del simbolismo de toda la obra.
