LAS PRINCIPALES CORRIENTES FIGURATIVAS DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX: POP ART, NUEVA FIGURACIÓN E HIPERREALISMO.

LAS PRINCIPALES CORRIENTES FIGURATIVAS DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX: POP ART, NUEVA FIGURACIÓN E HIPERREALISMO.

La segunda mitad del siglo XX se caracteriza por ser una sociedad mediática y consumista. El arte se convierte en objeto de consumo y de moda. Los artistas reciben una constante presión en busca de la sorpresa y la originalidad. El resultado es una gran variedad de grupos, tendencias, movimientos y figuras individuales. Los museos, las galerías de arte y las exposiciones provisionales forman parte del paisaje urbano.

1- POP ART

Surge en torno a un grupo de artistas británicos en los años 50 y se desarrolla en los años 60 en Estados Unidos e Inglaterra, en la época del Rock y del espíritu hippie. Es un fenómeno que va unido a la sociedad de consumo. La sociedad ha evolucionado hasta convertir la cultura en objeto de consumo de masas. La invención de nuevos medios de comunicación con la televisión crean mitos en la sociedad. El Pop-Art (arte popular) toma temas populares y los transforma en arte.

De esta forma se resaltan el valor de la Iconografía en la sociedad consumista. Se trata de un arte popular, ingenioso, joven y efímero y que se produce en serie por medio de seriografías, del collage y del fotomontaje.

Su fin, aparte de estético, persigue una postura crítica ante el consumismo. Los objetos dejan de ser únicos para ser producidos en serie y actúan como una imagen impactante para el espectador.

Es un arte urbano que da la espalda al mundo de la naturaleza. La inspiración de este movimiento artístico está en los comics, en el cartel publicitario y en la fotografía de consumo. A la imagen de la fotografía se unen y superponen la tipografía, la caligrafía, el dibujo, la ilustración, el grafiti y todo tipo de texturas. El color es manipulado en todas sus posibilidades: vidriados, fotografías coloreadas, pintadas a mano o con earógrafos, ampliaciones de la trama o serigrafía.

Uno de sus mejores representantes fueron:

1.1  ANDY WARHOL (1928-1987)

Fue un polifacético artista estadounidense y el más emblemático y mediático dentro de esta corriente artística. Fue pintor, escultor, cineasta, fotógrafo, publicista y editor.

Alcanzó gran popularidad en la década de los sesenta al pintar parte de variaciones fotográficas de un mismo tema mítico, como Marilyn Monroe, Elvis Presley, o la lata de sopa Campbel. Esta última obra representa una lata de tan conocida marca tal y como era en realidad. Warhol realizó muchas versiones sobre el mismo tema en el que, a veces, varió los colores.

Al representar objetos que formaban parte de la vida cotidiana, los artistas del pop art acercaban el arte al pueblo.

1.2 RICHARD HAMILTON (1922-2011)

Se le considera el pionero del pop art británico con su serie "¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?", que se convirtió en un manifiesto del movimiento. En la obra aparecen representativos elementos de la cultura de consumo estadounidense: una chica de revista, un culturista que sostiene un enorme chupa-chups, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de cómic, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato antiguo de un antepasado, todo bajo el planeta tierra a modo de techo.

1.3 ROY LICHTENSTEIN (1923-1997)

Pintor y escultor, autor de la vertiente más creativa del pop art estadounidense. Es famoso por sus óleos e imágenes comerciales de producción masiva, basados en anuncios publicitarios y en personajes de dibujos animados y de tiras de cómics. Se caracterizó por su afinidad con las técnicas de reproducción. En su obra es destacable el empleo de puntos, los contornos marcados y el uso de brillantes colores primarios.



El arte pop español se desarrolló más tarde, entre los años 1960 y 1970, y fue la voz crítica de la falta de libertades sociales y políticas del franquismo. Se mezclaba lo cotidiano con imágenes históricas y típicas de la cultura española. Su foco más destacado fue el valenciano, que va estrechamente unido a la obra del Equipo Crónica (activo desde 1964 y 1981), del Equipo Realidad (1966-1976) y de Juan Genovés (1930). Con la llegada de la democracia, fue el movimiento artístico que mejor plasmó esa época de cambio.

2- NUEVA FIGURACIÓN

Es un movimiento que plantea la vuelta a la figuración, representando la realidad social del momento bajo una actitud cínica, cruel y de burla. La abstracción geométrica había caído en declive y algunos artistas retoman el uso de la figura. La nueva figuración preconizaba un retorno al objeto y a la realidad cotidiana. Se vuelve a representar la realidad (iconicidad), en particular la figura humana, pero con las técnicas del informalismo. Suele tener un sentido de denuncia social. Se aprecian tendencias expresionistas, en las que se adoptan formas orgánicas deformadas o monstruosas.

Se desarrollan dos orientaciones de este movimiento:

• La caracterizada por el análisis de la imagen y de sus estructuras (Adami, Raysse, Klasen, Proweller).
• La centrada en la realidad social y política contemporánea (Arroyo, Equipo Crónica, Canogar, Aillaud, Parré).

2.1- FRANCIS BACON (1909-1992)

Fue un pintor anglo-irlandés de estilo figurativo idiosincrásico, caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el plano intencional. Toda su trayectoria se caracteriza por una profunda independencia, que hace que su pintura sea un referente inconfundible del arte europeo de la segunda mitad del siglo XX.

Influyó, en gran medida, en los artistas del movimiento Pop inglés. La visión atormentada de Bacon llamaba la atención de un público traumatizado por la experiencia de la guerra y todos sus males. Elige la figura humana como motivo central de sus cuadros, y la somete a alteraciones y deformaciones hasta un nivel no conocido con anterioridad el la historia del expresionismo. En sus retratos, autorretratos, o composiciones más complejas, los cuerpos mutilados, los órganos atrofiados y todo tipo de anomalías anatómicas, dan como resultado una imagen de horror que se inserta en un espacio indefinido, de fondos monocromáticos, que comunica una sensación de aislamiento y claustrofobia.

2.2- JEAN DUBUFFET (1901-1985)

Este pintor y escultor francés, fue un gran innovador. Su nombre está vinculado al “art brut”, tendencia que toma como referencia el arte popular, el arte de l@s niñ@s o el de los enfermos mentales. Se aspira con ello a una forma de creación en la que la espontaneidad y el instinto prevalezca sobre la razón y la formación técnica.

Su actitud provocó al principio un gran escándalo, pero al final de sus días Dubuffet gozaba ya de renombre y consideración mundiales. El carácter primario del impulso creativo se vale de materiales que se unen a la pintura, como arena, barro, yeso o detritus orgánicos.

A partir de 1966 se dedicó principalmente a esculturas y montajes, algunos de los cuales, de gran tamaño, se encuentran en diversas ciudades europeas. En estas obras otorga una nueva dignidad a los materiales de desecho. En los últimos años, principalmente en las obras pictóricas, aplicó el color con menos violencia y de forma más estudiada, creando composiciones menos agresivas y que encierran algo de lirismo.

3- EL HIPERREALISMO

Con esta tendencia vanguardista, el realismo llega a su cima. La obra pictórica se acerca al objetivismo de una cámara fotográfica. Surge en EEUU a comienzos de los años setenta. Se basa en un acusado realismo y en la minuciosidad. El resultado es una pintura muy fría, sin sentimientos. En EEUU se pintan objetos de consumo e imágenes de publicidad.

Destacan pintores como Chuck Close, Dan Eddy, y en España Antonio López García.

EL MOVIMIENTO ABSTRACTO Y SUS TENDENCIAS PICTÓRICAS: EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO, EL INFORMALISMO EUROPEO Y LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA.

EL MOVIMIENTO ABSTRACTO Y SUS TENDENCIAS PICTÓRICAS: EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO, EL INFORMALISMO EUROPEO Y LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA.

Tras la segunda guerra mundial comienza una etapa en el arte estrechamente vinculada con la evolución de los tiempos. Se crean múltiples y novedosas formas de expresión debidas a la total libertad de creación para reinterpretar la nueva realidad.

Estas tendencias establecen una ruptura con las corrientes estéticas anteriores., y en ellas se busca la originalidad y provocar una nueva mirada del espectador ante las obras de arte.

1- EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO

El Expresionismo Abstracto surge en EEUU en torno a una serie de pintores conocidos como “Escuela de Nueva York” en los años 50 del siglo XX. Influye en la aparición de este grupo la creación de el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) y el apoyo de la familia Guggenheim a la pintura americana más avanzada.

El Expresionismo Abstracto fusiona la abstracción y el surrealismo. L@s artistas rompieron con la figuración para crear un estilo propio que refleje sus propias identidades artísticas. Este cambio coincidió con la llegada y posterior influencia de pintores de la vanguardia europea a Nueva York tras la Segunda Guerra Mundial.

El Expresionismo Abstracto emplea el automatismo como medio de expresión y para ello recurre a distintas técnicas:

- La pincelada gestual rápida (action painting): hace del proceso de creación casi un ritual físico que libera al artista de sus estados de ánimo. Esta técnica está basada en acciones y gestos como derramar, dejar gotear, arrojar la pintura sobre el lienzo sin tensar, aplicarla directamente desde el tubo, embadurnarlo con las manos o mezclar materiales para lograr diversas texturas. Jackson Pollock y Willen de Kooning.

- Pintura de superficie-color (color-field painting): se tienen en cuenta las posibles mezclas de color y sus múltiples combinaciones. Además, se utilizan formatos de grandes dimensiones. En esta tendencia destaca el artista ruso Mark Rothko, cuya obra se caracteriza por la investigación cromática, siendo el rojo su color preferido para tratar de expresar sus distintas emociones.

El formato de las obras son de gran tamaño y el pintor ha de colocar el lienzo en el suelo e introducirse físicamente en él. El espectador también se siente parte de la obra. Le resulta difícil contemplarla, pues no tiene centro ni recorridos sino un espacio continuo dinámico y caótico. 

Los principales pintores norteamericanos del expresionismo abstracto fueron:

1.1- JACKSON POLLOCK

Es su principal representante. Pollock es gesto, acción e intuición. Es el máximo representante del action painting. Se convirtió en una leyenda tanto por su revolucionaria forma de concebir el arte, como por su vida, marcada por los excesos y su muerte, tras un accidente de coche, cuando se encontraba en la cumbre de su carrera artística. 

Comenzó sus estudios en Los Ángeles en 1928 y en 1930 se reunió con dos de sus cinco hermanos en Nueva York. Allí siguió formándose y experimentando nuevas técnicas con artistas como Thomas Hart Benton o David Alfaro Siqueiros. En 1938 comenzó a recibir el primero de los muchos tratamientos psiquiátricos para intentar superar sus problemas de alcoholismo. Los analistas que le trataron hasta 1941 usaron sus dibujos para el proceso terapéutico. En ellos Pollock exploró de manera obsesiva su subsconsciente, en un estilo próximo a Picasso y Miró. 

En 1946 Peggy Guggenheim visitó su taller, lo que le acarrearía fama y dinero. Esto le permitió comprarse una casa de campo en East Hampton y transformar un pajar en su estudio. Fue la época más prolífica del artista, que comenzó a trabajar con sus lienzos en el suelo sobre los que lanzaba chorros de pintura, arena, y otros elementos que daban textura al lienzo. Las exposiciones de los siguientes años en la galería de Peggy Guggenheim, a las que siguieron otras en la Betty Parsons Gallery, su nueva marchante desde 1948, le consolidan como una de las grandes figuras del arte norteamericano. Su reputación nternacional tuvo su impulso definitivo con la publicación en la revista “Life” de un artículo titulado “¿Es Jackson Pollock el pintor vivo más importante de EEUU?”. En él se reproducen fotografías en las que aparecía derramando pintura sobre sus lienzos. Sin embargo Pollock sufría otra de sus crisis y cada vez pintaba menos. En 1956 murió al estrellarse su coche contra un árbol cerca de su casa.

1.2- WILLEM DE KOONING (1904-1997)

Pintor holandés nacionalizado estadounidense, que no llegó a ese estilo personal hasta haber experimentado con el automatismo, que le ayudó a transformar la línea en brochazos energéticos. Éstos se multiplican como fuerza torrencial por todo el lienzo a partir de 1947, pero no abandona nunca las referencias cubistas.

Toda la obra de Kooning está presidida por el deseo de lograr una interacción entre espacio y materia, a la vez que es una lucha continua para lograr un equilibrio entre el protagonista expresivo del dibujo y la inmediatez expresiva del color. El dinamismo de las composiciones transmite la energía del gesto del artista.

1.3- MARK ROTHKO

Si Pollock es gesto, acción e intuición, Rothko es color, reflexión y meditación. Trata de que el espectador indague en sus propias emociones y experimente una reacción próxima a aquella que se produce ante determinadas ceremonias religiosas. La temática de sus obras son campos de color, dispuestos preferentemente de manera horizontal. 

Además de pintor fue grabador y nació en Letonia, pero residente la mayor parte de su vida en EEUU. Desarrolla el espacio vacío sin personas ni objetos, percibiendose éste como luz y color. Abre un espacio en nuestra imaginación a través de sus espacios organizados en formas geométricas de manchas de color. Las lisas superficies emanan un sereno silencio.

De sus obras destacan “Rojo y Amarillo”, o “Centro Blanco (Amarillo, Rosa y Lavanda sobre Rosa)”. Esta última, se ha convertido en una de las obras de arte contemporáneo más cara, pues fue vendida en una subasta por 72,8 millones de dólares en mayo del 2007.

2- EL INFORMALISMO EUROPEO

El informalismo es un movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollan en Francia y el resto de Europa  después de la II Guerra Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el término art autre (otro arte) sobre el arte abstracto no geométrico dada las distintas corrientes que se encuentran dentro del informalismo. 

El Informalismo europeo nace en un ambiente de posguerra y refleja toda la ambiente de posguerra y refleja toda la angustia, tristeza y desesperación de una Europa arrasada por la segunda guerra mundial.

En Francia Dubuffet y Jean Fautier reflejan la angustia y el miedo sufrido en la guerra. Sus creaciones son terrosas, sin color, con figuras deformadas y sórdidas (“Castaña con rostro carnoso”, 1950, Dubuffet; “Tete d'Otage nr 20”, 1944: el horror de Auschwitz es el origen de los Otages, de Jean Fautier). 

En el norte de Europa, el grupo Cobra busca expresar a través de sus obras aquello que bulle en su interior emocional, dejando a un lado los componentes racionales. Tiene ese nombre porque sus participantes habitaban en las ciudades de Copenhague, Bruselas y Amsterdam. La violencia cromática es su característica más importante.

España se incorporó tarde al informalismo, pero lo hace con una fuerza titánica, rabiosa. La crueldad de la Guerra Civil española provoca el estallido de formas y la preponderancia del gesto manual. Experimentan con materiales hasta entonces considerados como no pictóricos. La identificación de la II República con el arte de vanguardia, supuso que su derrota militar llevase aparejada la práctica desaparición de cualquier tipo de tendencia plástica de carácter progresista. A pesar de todo, en la década de los cincuenta se formaron dos grupos:

“Dau al Set”, en Barcelona. Tàpies es el principal pintor. El estilo de Tàpies se ha catalogado de Informalismo matérico. Concibe la superficie no como un fondo donde representar, sino como un espacio donde actuar mediante distintas técnicas. La técnica del grattage, que consiste en rasgar, raspar, horadar, para dar relieve a sus mixturas, resultantes de la mezcla de polvo de mármol, arena,...Y todo mezclado con pintura al óleo. Utiliza materiales poco usuales: cuerdas, arpilleras...y colores cercanos a la tierra, negro y un blanco “sucio”.

“El Paso”, en Madrid. Destacan artistas como Antonio Saura, Manolo Millares, Canogar y Modest Cuixart. Manolo Millares fue el fundador del grupo, y uno de los más importantes artistas del informalismo. Sólo necesita tres colores: el blanco, el negro y el rojo. Su dibujo es virtuoso y singular. Su material preferido es humilde, la arpillera. Él la transforma en un grito expresionista y en una convulsión estética. La obra de Antonio Saura puede entenderse a medio camino entre la abstracción y la figuración distorsionada. En su obra domina el contraste de sus enloquecidos trazos oscuros sobre los fondos claros. 

3- LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA

La popularidad del arte abstracto estuvo en auge durante gran parte del siglo XX, manteniéndose vigente hasta nuestros días. Esta se debió, entre otras cosas, a que utiliza gran cantidad de elementos, como el color, la forma, las líneas o las texturas.  

La abstracción geométrica es una de las tantas vertientes que tiene el arte abstracto, que se caracteriza por el uso de distintas formas geométricas, organizadas de manera “lógica”, para recrear determinada forma. Técnicamente, las obras de la abstracción geométrica están dispuestas para que no representen entes u objetos que puedan ser palpables en la realidad. Cabe destacar que, de igual forma, los artistas que defienden esta peculiar expresión, mantienen que buscan hacer de ésta, algo universal y, sobre todo, objetivo, mediante el uso racional de las distintas formas neutrales y simples; además sostienen que, las líneas le confieren a la obra un tono delicado, claro y con fría precisión. La abstracción geométrica toma forma en estilos tales como la abstracción post-pictórica, el Op Art, el minimalismo, etc.

Su precursor más importante fue Wassily Kandinsky, un pintor ruso que se movía en Europa exponiendo las virtudes artísticas que traía consigo la abstracción. Encuentra su justificación teórica en “Abstracción y empatía” de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas. Muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto. Cree en una realidad esencial oculta tras las apariencias. En 1912 publicó “De lo espiritual en el arte”, donde critica a las instituciones académicas tradicionalistas y la idea de arte en general. Es el primer libro que describe la fundación teórica del movimiento abstracto y habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinski da las pautas sobre las propiedades de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas. Él no se interesa por el espectro sino solo en la respuesta del alma. Entre 1926 y 1933 pintó 159 óleos y 300 acuarelas. Muchos de ellos se perdieron después de que los nazis declararan degeneradas sus pinturas. En 1939 se nacionalizó francés. 

Kasimir Malévich y Piet Mondrian también se encuentran entre los impulsores de la abstracción, y en ambos se puede apreciar también la influencia de antiguas culturas que utilizaron la geometría como expresión artística y decorativa.

Malévich (1878-1935), fue el máximo representante del suprematismo, una de las principales corrientes defensoras de la abstracción geométrica en la Rusia del primer tercio del siglo XX, que tenía como objetivo la búsqueda de la supremacía de la sensibilidad pura en el arte. Sus creaciones se centrarían en la representación de figuras geométricas, en las que predominaba el cuadrado. Destacan “Cuadro negro” (1915) y “Blanco sobre blanco” (1917-18). Tras la revolución de 1917 se convirtió en un miembro activo de los comités artísticos revolucionarios. Durante la década de los 20 visitó Alemania y la Bauhaus, y en torno a 1930 comenzó a tener problemas con las autoridades públicas soviéticas por sus contactos con artistas alemanes, e incluso fue arrestado. Al final de su vida regresó a la figuración.

Por su parte Piet Mondrian (1872-1944) está vinculado al grupo neoplasticista holandés aglutinado en torno a la revista “De Stijl”. Su concepción del arte se basaba en que debía ser representado a través de la línea recta y los colores puros como símbolo de la expresión del orden cósmico. Fue uno de los artistas más admirados e influyentes del siglo XX.

También destacaron autores como Aleksandr Ródchenko y Theo va Doesburg.