LA PINTURA ITALIANA
DEL TRECENTO
1-
CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA GÓTICA:
La
pintura gótica expresa el cambio producido en la vida y en los
ideales europeos. Convertida en una de las más importantes
manifestaciones ciudadanas, se hace eco de la espiritualidad que guía
el mundo gótico. Se rompe con los rígidos esquemas del románico,
donde lo sagrado era algo distante, para acercarse a la naturaleza,
reflejo de la divinidad. Todo ello conduce a la conquista de logros
estéticos y técnicos que se irán incorporando en las distintas
etapas. En este giro estético influye la nueva clientela, que deja
de ser monástica para ser sustituida por la Iglesia, los Reyes y la
burguesía en continuo crecimiento, que potencian la producción de
obras protegiendo a los artistas que desarrollan talleres ciudadanos
importantes.
En
relación con los distintos periodos, escuelas y países, así como
por la utilización de distintos géneros y técnicas, se establecen
cuatro etapas sucesivas en la evolución de la pintura gótica:
-
Gótico Lineal (o estilo franco-gótico): 1200-1330 aproximadamente.
-
Estilo italo-gótico: Duecento (siglo XIII) y Trecento (siglo XIV).
-
Gótico internacional: 1350-1420 aproximadamente.
-
Pintura Flamenca: a partir del primer cuarto del siglo XV.
Todas
las manifestaciones quedan definidas por una nota común: el
naturalismo, que implica un acercamiento al mundo real, de
acuerdo al pensamiento escolástico. El naturalismo, convertido en la
expresión de un deseo de unir al hombre con la divinidad, lleva a
analizar la naturaleza en sus mínimos detalles. Ello contribuye a
conseguir un gran sentido narrativo, que llegará en ocasiones
a una precisión analítica cuya evolución final desembocará en el
realismo del siglo XV, conseguido en la pintura flamenca. Este cambio
de pensamiento se explica por la profunda transformación religiosa
iniciada por San Bernardo y San Francisco, que promueve un
acercamiento al mundo que lo rodea viendo en cada criatura un fiel
reflejo de la divinidad. Además la religiosidad franciscana valora
de forma singular el sentimiento, buscando despertar la emoción del
espectador ante la obra.
Cuatro
son los elementos que desde un punto de vista compositivo determinan
el desarrollo de la pintura gótica: el dibujo, el color, el espacio,
y la luz, que unidos a la preocupación por la expresión y el
sentimiento narrativo, resumen sus caracteres estilísticos. En esta
etapa se desarrolla una gran preocupación espacial, así como la
búsqueda de una pseudo-perspectiva.
Muchos
de los temas de la pintura gótica derivan de la Alta Edad Media.
Otros surgen en función de las circunstancias del momento, como
sucede con la iconografía de Cristo o con la imagen mariana
difundida por el arte italiano a partir de modelos bizantinos (La
Maesta o las Vírgenes de ternura) o el especial desarrollo de temas
en torno a la muerte, reflejo de la situación crítica que se vivió
a finales de la Baja Edad Media. Las hagiografías o vidas de Santos,
basados en la Leyenda Dorada, enriquecen con multitud de detalles
narrativos y anecdóticos la pintura gótica. Al margen de la
iconografía religiosa se desarrolló también una temática profana,
inspirada fundamentalmente en textos literarios (textos clásicos,
amor cortés), o en relatos de libros de viajes a través de los
cuales se introducirá el elemento fantástico.
Respecto
a las técnicas utilizadas por los maestros góticos, la pintura
mural utiliza la del fresco. Giotto es uno de los maestros que logra
una mayor perfección en la aplicación de los colores. Sobre tabla
se utiliza también la pintura al temple. Por otra parte, la
presencia de la pintura al óleo tiene especial vigencia y difusión
en la pintura flamenca.
2-
EL ESTILO ITALO-GÓTICO: EL TRECENTO
Con
la llegada del siglo XIV se produce un cambio trascendental en el
desarrollo de la pintura gótica, desplazándose la atención desde
Francia a Italia, que pasa a ser el centro artístico y cultural de
Europa. Ya en el siglo XIII se había desarrollado en Italia la
pintura del Duocento, muy influída por el bizantinismo y
representada por nombres como Pietro Cavalli y Cimabue, cuyos avances
en la búsqueda del naturalismo y la expresión de sentimientos hay
que tener en cuenta para explicar la posterior eclosión del siglo
XIV.
La
pintura del trecento italiano representa una doble tendencia: la
florentina y la sienesa. La Escuela Florentina, cuyo máximo
representante será Giotto, rompe con la tradición bizantina,
introduciendo novedades desde el punto de vista técnico y estético
que abren paso al Renacimiento. La escuela de Siena, por su parte,
tendrá como máximo representante a Simone Martini, que a través de
su estancia en Avignon supondrá el arranque de la pintura del gótico
internacional.
2.1-
PRINCIPALES APORTACIONES DE ESTA ETAPA:
-
Utilización de nuevos recursos técnicos, como la preocupación por el espacio, que desembocará en un tipo de especial de perspectiva en la que se yuxtaponen diversos puntos de vista convergentes, preparando el camino para la pintura renacentista.
-
Preocupación por la figura, anatomías más realistas y estudio del volumen.
-
Interés por las actitudes, gestos y expresión de los sentimientos.
-
Abandono progresivo de los fondos dorados y búsqueda de la luz natural con la que se intenta modelar las figuras: los colores dejan de ser planos para buscar gradaciones cromáticas (pintura tonal).
Mientras
la Escuela de Florencia difunde un arte con monumentalismo, sentido
volumétrico y teatralidad, la Escuela de Siena, sin olvidar los
avances técnicos, representa un arte más amable, suave, en el que
se valora la belleza de líneas y la combinación de colores,
resultando una pintura un tanto idealizada con preferencia por los
temas marianos.
2.2-
PRINCIPALES ESCUELAS Y ARTISTAS DEL TRECENTO ITALIANO:
Es
el artista más relevante del Trecento italiano si atendemos tanto al
volumen de su obra como a la trascendencia de la misma. Supone un
cambio profundo en la evolución de la pintura gótica, así como con
la historia de la pintura general. Es el creador de un nuevo lenguaje
artístico en cuanto al espacio, la luz y la narración de escenas,
que lo llevan a ser el iniciador de la pintura moderna. Representa la
corporeidad de las figuras, el paisaje y encuadres arquitectónicos.
Sus figuras ofrecen una monumental corporeidad, reforzada por la
utilización de efectos lumínicos: profundas sombras en los
flotantes de los pliegues de los ropajes y modelados de los rostros
(aunque éstos se mantengan diferenciados). Los paisajes aparecen,
aunque simples, de forma que es la figura la protagonista. Sus
arquitecturas son pequeñas e inverosímiles, llegando incluso a
efectos propios del teatro, como es cortar un edificio para que se
vea lo que hay dentro. Utiliza en ellas ya la perspectiva.
Para
Giotto este descubrimiento de crear ilusión de la profundidad sobre
una superficie plana le permitió cambiar todo el concepto de la
pintura. En este sentido el componente esencial de su estilo es la
desaparición de los esquemas rígidos que caracterizan la pintura
anterior, para adquirir un sentido eminentemente narrativo y
expresivo: inaugura la representación de episodios de la vida de un
santo (fundamentalmente San Francisco de Asís); valora los espacios
para que las figuras tengan espacio sobrado para desenvolverse,
oponiéndose a la serie seguida medieval; se sirve de la asimetría,
lo que confiere “vida” a sus escenas; utiliza un amplio
repertorio gestual para representar actitudes y sentimientos;
consigue dar unidad al episodio recurriendo a las miradas de los
personajes.
Sus
obras
más famosas son sus grandes conjuntos murales (frescos) de la
Iglesia Alta de Asís, de la Capilla Scrovegni en Padua y de la
Iglesia de la Santa Croce de Florencia (Capillas Peruzzi y Bardi).
Arriba aparecen: "La resurrección de Lázaro", "La huída a Egipto" y
"Retrato de hombre con turbante".
La
fama y respeto ganados por Giotto iniciaron un nuevo capítulo en la
Historia del Arte. A partir de entonces, ésta, primero en Italia y
después en los demás países, es la historia de los grandes
artistas.
2.2.2-
LA ESCUELA DE SIENA: SIMONE MARTINI (1283-1344)
Sus temas más característicos son los dedicados a la Virgen, destacando la “Maestá” de 1315 para el Palacio Público de Siena, un icono de la Virgen bajo palio, rodeada de los santos locales y, por supuesto, su “Anunciación” del Museo Uffizi de 1333. Esta es su obra cumbre. En ella funde el convencional fondo de oro bizantino con la línea ondulante del gótico francés, visibles en las refinadas y elegantes siluetas del ángel y María. Es una creación exquisita que ha sido relacionada con los poemas de su amigo Petrarca. Arriba también aparece otra de sus importantes obras: "Camino al Calvario".
Destaca
también en su producción un ejemplo de pintura profana, el retrato
ecuestre (el primero del arte italiano) de Guidoriccio da Fogliano de
1328, personaje que había salvado la independencia de la república
sienesa, repeliendo con sus fuerzas mercenarias la invasión de la
vecina ciudad de Lucca. Acomete encargos importantes fuera de la
ciudad (Nápoles), siendo de especial trascendencia su estancia en
Avignon, ciudad en la que permanece desde 1340 hasta su muerte, ya
que esta etapa supone la difusión del Trecento sienés y, sobre
todo, el arranque del estilo internacional.
Además
del ya mencionado Duccio di Buoninsegua, habría que destacar en esta
escuela sienesa a los hermanos Pietro y Ambrogio Lorenzetti.