LA ESCULTURA GRIEGA. LISIPO Y SU CANON

                                                 

                      

1- El ARTE GRIEGO: CONTEXTO HISTÓRICO Y ARTÍSTICO.

Durante los siglos VIII a. C. y VII a. C. de nuestra era nacieron y se desarrollaron por el Mediterráneo una serie de culturas que marcarán toda la Historia de Occidente. Entre ellas destacó la Cultura Griega.

La Cultura Griega hunde sus raíces en la Cultura Minoica (Cretense) y Micénica (Micenas), y su poderosa civilización, especialmente en el ámbito artístico, fue decisiva para el desarrollo posterior de la Cultura romana.

Grecia se llegó a convertir en una de las grandes civilizaciones de la Antigüedad de la Edad Antigua, junto a Egipto, Mesopotamia y Roma. Destacó en grandes disciplinas como en la política y en la filosofía. En Grecia se fraguó la Democracia, y pensadores como Platón o Aristóteles marcarán el pensamiento de toda la cultura y occidental. Asimiló las influencias culturales egipcias y orientales para crear un estilo propio definido, que irá evolucionando hasta la llegada del helenismo en época de Alejandro Magno.

Grecia fue una civilización agraria y comercial. Sus actividades económicas más importantes fueron la agricultura, la ganadería, la minería y el comercio. Fue una civilización cosmopolita, con un gran desarrollo urbano. El Clima Mediterráneo, con muchos días de sol y de buenas temperaturas, incitaba a hacer vida en la calle. En Grecia el urbanismo tendrá un gran desarrollo, ordenado y de trazado organizado a partir del trabajo de Hipodamos de Mileto para el puerto de su propia ciudad. La plaza pública o “Ágora” será un gran centro neurálgico para la población. 

De sobra conocidas son las ciudades-estado griegas, entre las que destacaron Atenas y Esparta, con modelos políticos y sociales muy diferentes. 

La necesidad de tierras y de minerales, llevó a Grecia a fundar colonias por todo el Mediterráneo, provocando su hegemonía política, cultural y comercial en la zona.

Fue también una civilización guerrera, con un gran protagonismo del ejército. Las guerras con los persas (Guerras Médicas) y los conflictos armados entre sus propias ciudades (Guerras del Peloponeso), determinaron el rumbo de su Historia.

Su religiosidad impregnó el Arte y la Cultura. Los griegos eran Politeístas, y sus numerosas deidades  con sus agitadas aventuras, inspirarán elmundo iconográfico griego.

La belleza es el concepto estético que predomina en el arte griego, el cuerpo humano es el modelo esencial de toda belleza y proporción, antropocentrismo. Este arte se apoya en la naturaleza y tiende a la creación de un mundo idealizado.

2- CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA GRIEGA:

Para los griegos, la escultura era una de las actividades más importantes de la expresión artística. Los ideales del pueblo griego brillan en la escultura. Sus creaciones señalan una de las cimas de toda la historia del arte.  

Evoluciona de forma clara, lenta, pero perceptible a lo largo de los siglos. Si la simetría y la frontalidad son elementos importantes en la escultura arcaica, romperán ambas reglas con el tiempo y dotarán a las figuras de una movilidad y expresividad admirables. La escultura evolucionó desde la primera etapa donde predominan las figuras esquemáticas, pasando por un realismo idealizado típico de la época clásica, hasta llegar al arte realista de la etapa helenística. Praxíteles y Scopas son escultores del siglo IV a. C., y por tanto, representantes del Segundo Clasicismo de la escultura griega, a caballo entre autores de mediados del siglo V como Fidias y Policleto, y el helenismo del Laoconte.

Los escultores plasman en la figura humana sus concepciones de belleza física y equilibrio espiritual. la búsqueda de la belleza se basa en la proporción y en el equilibrio de las partes (canon), como sucedía en arquitectura. La belleza lleva a una anatomía armoniosa, que idealiza el cuerpo humano. La expresión, como exteriorización de los sentimientos, acompañará a estos cuerpos. Hay una fusión entre la vertiente espiritual del hombre y su fachada física.

El movimiento es otro objetivo de la escultura. En los ángulos de los frontones los artistas aprenden a doblar la figura o a relacionar dinámicamente los grupos.

Otro rasgo importante de la escultura griega es el naturalismo. Ya desde el siglo VII a. C intentan imitar en sus obras la realidad (mímesis). El realismo debía alcanzarse por medio de la razón y la experiencia. Como consecuencia se intenta reproducir la naturaleza, y en ella está incluida el ser humano. Posteriormente este realismo dará paso a una clara idealización.

Las esculturas en piedra estaban policromadas, aunque la mayoría de los colores se han perdido.

  

En cuanto a la temática, la escultura griega está fundamentalmente basada en el estudio del cuerpo humano, y  es figurativa. La temática de la escultura griega (tanto en bulto redondo como en relieve) la podríamos clasificar así: dioses y diosas (antropomorfizados), bien aislados, o bien formando grupos, atletas vencedores de los juegos diversos que había en Grecia. escenas mitológicas, leyendas de los héroes de la antigüedad griega y monumentos conmemorativos.

Por otra parte, lo que podríamos llamar arte decorativo -cerámica, relieves de toda clase, figurillas de metal o terracota- se reduce a un papel secundario.

En cuanto a los materiales, la mayoría de las esculturas son de piedra y especialmente de mármol. Desgraciadamente, se han perdido los colores de esta escultura griega (en bulto redondo o en relieve). No sólo las vestiduras, los cabellos, los ojos y labios estaban pintados, sino que algunos detalles, como bordados o diversos accesorios del traje, no se indicaban más que por la pintura. Las carnes recibían un tratamiento especial a base de ceras claras. Esta viva policromía hacía a la obra plástica más alegre e inteligible.

El bronce era el material favorito para realizar estatuas exentas. Pero las obras que han sobrevivido están hoy fuertemente oxidados, aunque los antiguos impedían su formación mediante limpiezas frecuentes. El color propio de los bronces era el del metal brillante. En los ojos incrustaban una pasta de vidrio; los labios se recubrían de una hoja de cobre rojo; los dientes con frecuencia eran representados por una plaquita de plata cincelada. Todos estos efectos (postizos), que han desaparecido, intentaban conferir a la estatua una especie de policromía de tendencia realista.

La técnica más preciada era la criselefantina (oro y marfil), reservada a la divinidad.

EL principal problema de la escultura griega es la falta de obras originales. Quedan pocos mármoles de los siglos V y IV, si se exceptúan los relieves monumentales: frontones, metopas y frisos. Ante la carencia de originales, la escultura griega es conocida por copias de mármol de época romana, cuando los Césares y los miembros de la aristocracia imperial mandaban reproducirlas para adornar sus palacios, villas, temas, etc.

La técnica para fundir los bronces era en, la época clásica, la de la cera perdida. Primero se hacía un soporte con un modelado ya aproximado de la escultura que se deseaba realizar. Sobre él iba la cera, donde ya se acababa el modelado, la talla y las incisiones. La cera se recubría de una mezcla de ladrillo, yeso y agua, para formar una pasta porosa. Se echaba el bronce fundido, que ocupaba la capa de cera. Se remataba la obra ya con el cincel. 

Los cuatro períodos arqueológicos, que tras un prolongado silencio artístico siguieron al micénico, se distinguen del siguiente modo. En ellos hay una clara evolución de la escultura griega.

1. El período de formación, desde aproximadamente el 620 a. C. al 540 a. C.
2. El período arcaico, desde el 540 a. C. al 460 a. C.
3. El período de perfección o clásico: Desde mediados del Siglo V a. C. (450 aprox.), hasta finales del siglo IV a. C.
4. El período helenístico: después de la muerte de Alejandro Magno a finales del siglo IV a. C., hasta la dominación romana en el siglo I a. C.

Si nos centramos en la etapa clásica, se produce un avance hacia el naturalismo. Se abandona la frontalidad. De esta manera se consigue un movimiento más natural, se elimina la rigidez arcaica y se dota a la figura de mayor equilibrio y armonía.

Los rostros presentan una expresión más serena y los cabellos y ropajes reciben un tratamiento más naturalista, dando así una apariencia de vida y de libertad que antes no poseían.

La anatomía humana se conoce mejor, y se trata de llegar a la máxima perfección, es decir, a la belleza ideal.

Las obras representativas de la transición hacia el clasicismo son el "Auriga de Delfos", el "Poseidón o Zeus de Artemisón", el "Trono Ludovisi", y los frontones del templo de Zeus en Olimpia.

Tradicionalmente el clasicismo se ha dividido en tres etapas:

1- El primer clasicismo o estilo severo (primera mitad del siglo V a. C.), etapa representada principalmente por los escultores Mirón y Policleto. Mirón rompió con las convenciones de la época arcaica y dotó de movimiento a las figuras, aunque aún faltaba expresión y estudio psicológico. Su principal mérito fue representar el cuerpo humano en tensión, con posturas forzadas en un equilibrio inestable. Entre sus obras más conocidas destacan "El Discóbolo" y el grupo de "Atenea y el sátiro Marsias".

2- El clasicismo pleno (segunda mitad del siglo V a. C.), del que Fidias es su máximo representante.

3- Posclásico (siglo IV a. C.), periodo en el que destacan Praxiteles, Scopas y Lisipo. La producción artística de Praxiteles se caracteriza por lo sutil y refinado de las formas, con un halo de sensualidad y delicadeza.Su famosa "curva praxiteliana" proporciona una forma sinuosa a sus figuras. Éstas se arquean suavemente buscando un punto de apoyo ajeno, lo que les obliga a doblar una pierna para apoyarse en la otra y arquear la cadera. Entre sus obras destacan "Hermes y el niño Dionisos",el "Apolo Sauróctono" y la "Venus de Cnido". Con Scopas desaparece la serenidad clásica y aparecen temas trágicos y personajes atormentados y pasionales. Entre sus obras destacan "La cabeza de Meleagro", la "Ménade" y la decoración del friso este del mausoleo de Halicarnaso. En este último narra la lucha entre griegos y amazonas, y se contemplan figuras agitadas y de gran dramatismo que dejan al descubierto parte de los cuerpos.

3. LISIPO Y SU CANON.

                                                                                       

(Sicione, h. 390 a. C.-activo desde antes de 368 a. C. hasta 318 a. C.). Escultor griego. Tercera gran figura de la escultura griega del siglo IV a. C., junto a Scopas y Praxiteles. Trata de nuevo los temas atléticos de Mirón y Policleto. En Apoxiomenos, ( "el que se quita el aceite"), representa a un joven rascándose la arena después de la competición. Es su obra más característica, y confirió un nuevo canon al cuerpo masculino ( según el cual la cabeza debía ser 1/8 del cuerpo y no 1/7 como postuló Policleto ), cuyas proporciones pueden relacionarse con la creciente esbeltez y gracilidad de las columnas a partir de mitad del siglo V a. C. Frente al canon de Policleto propone una cabeza más pequeña, el torso y los miembros más esbeltos, largos y flexibles y una musculación menos marcada. Su estilo evoluciona gradualmente en el sentido de un mayor naturalismo y se considera que su escultura marcó la transición entre el arte clásico y el helenismo. Su producción, muy copiosa -las fuentes de la Antigüedad la cifran en más de mil quinientas obras-, se expandió por todo el mundo griego, si bien nada ha llegado hasta nosotros y solo se conoce por copias de época romana. Retratista de gran prestigio, fue elegido escultor de la corte de Filipo II y de su hijo, Alejandro Magno. Se cree que realizó diversos bustos del monarca y de su séquito, pero ninguno de los conservados se puede atribuir a él con seguridad.

EL APOXIÓMENO:

Representa a un atleta joven, de pie y desnudo que, tras competir, se quita el polvo con la strigilis ( especie de raedera). La escultura inclina y gira ligeramente la cabeza para mirar a lo lejos. Eleva los brazos casi a la altura de los hombros y con la mano izquierda desliza el strigilis por la parte anterior del brazo derecho, que porta un dado. Ambos brazos están tensos, pero uno se dobla mientras el otro está estirado hacia delante. La figura se apoya, en primer término, sobre la pierna izquierda, pero la otra no está relajada y situada hacia atrás como era habitual, sino que se desplaza hacia la derecha y contribuye a sustentar la estatua. El cuerpo aún está sometido a la frontalidad, pero el brazo extendido invita a girar en torno a él y ofrece, de esta manera, múltiples visiones. La esbeltez de la figura es fruto de la aplicación del nuevo canon de proporciones ideales propuesto por Lisipo. El original en bronce del Apoxiómeno se conservó mucho tiempo en las termas de Agripa en Roma.

Otras obras destacables de Lisipo fueron:

- "Heracles Farnesio" (Museo Arqueológico de Nápoles). La copia romana mide 3,17 mt. Apoya el cuerpo en un tronco del que cuelga también la cabeza de un león. Está completamente desnudo, y Lisipo hace uno de los más trabajados tratamientos anatómicos de su escultura. La figura aparece barbada, igual que en el caso anterior. Museo Arqueológico de Nápoles.

- Retrato de Alejandro Magno 

- "Ares Ludovisi" Museo de las Termas, Roma