LAS PRINCIPALES
CORRIENTES FIGURATIVAS DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX: POP ART,
NUEVA FIGURACIÓN E HIPERREALISMO.
La segunda mitad del
siglo XX se caracteriza por ser una sociedad mediática y consumista.
El arte se convierte en objeto de consumo y de moda. Los artistas
reciben una constante presión en busca de la sorpresa y la
originalidad. El resultado es una gran variedad de grupos,
tendencias, movimientos y figuras individuales. Los museos, las
galerías de arte y las exposiciones provisionales forman parte del
paisaje urbano.
1- POP ART
Surge en torno a un
grupo de artistas británicos en los años 50 y se desarrolla en los
años 60 en Estados Unidos e Inglaterra, en la época del Rock y del espíritu hippie. Es un fenómeno que va unido a la sociedad de consumo. La
sociedad ha evolucionado hasta convertir la cultura en objeto de
consumo de masas. La invención de nuevos medios de comunicación con
la televisión crean mitos en la sociedad. El Pop-Art (arte popular)
toma temas populares y los transforma en arte.
De esta forma se resaltan el valor de la Iconografía en la sociedad consumista. Se trata de un arte popular, ingenioso, joven y efímero y que se produce en serie por medio de seriografías, del collage y del fotomontaje.
Su fin, aparte de estético, persigue una postura crítica ante el consumismo. Los objetos dejan de ser únicos para ser producidos en serie y actúan como una imagen impactante para el espectador.
De esta forma se resaltan el valor de la Iconografía en la sociedad consumista. Se trata de un arte popular, ingenioso, joven y efímero y que se produce en serie por medio de seriografías, del collage y del fotomontaje.
Su fin, aparte de estético, persigue una postura crítica ante el consumismo. Los objetos dejan de ser únicos para ser producidos en serie y actúan como una imagen impactante para el espectador.
Es un arte urbano que
da la espalda al mundo de la naturaleza. La inspiración de este
movimiento artístico está en los comics, en el cartel publicitario
y en la fotografía de consumo. A la imagen de la fotografía se unen y superponen la tipografía, la caligrafía, el dibujo, la ilustración, el grafiti y todo tipo de texturas. El color es manipulado en todas sus posibilidades: vidriados, fotografías coloreadas, pintadas a mano o con earógrafos, ampliaciones de la trama o serigrafía.
Uno de sus mejores
representantes fueron:
1.1 ANDY WARHOL (1928-1987)
Fue un polifacético artista estadounidense y el más emblemático y mediático dentro de esta corriente artística. Fue pintor, escultor, cineasta, fotógrafo, publicista y editor.
Alcanzó gran popularidad en la década de los sesenta al pintar parte de variaciones fotográficas de un mismo tema mítico, como Marilyn Monroe, Elvis Presley, o la lata de sopa Campbel. Esta última obra representa una lata de tan conocida marca tal y como era en realidad. Warhol realizó muchas versiones sobre el mismo tema en el que, a veces, varió los colores.
1.1 ANDY WARHOL (1928-1987)
Fue un polifacético artista estadounidense y el más emblemático y mediático dentro de esta corriente artística. Fue pintor, escultor, cineasta, fotógrafo, publicista y editor.
Alcanzó gran popularidad en la década de los sesenta al pintar parte de variaciones fotográficas de un mismo tema mítico, como Marilyn Monroe, Elvis Presley, o la lata de sopa Campbel. Esta última obra representa una lata de tan conocida marca tal y como era en realidad. Warhol realizó muchas versiones sobre el mismo tema en el que, a veces, varió los colores.
Al representar objetos que formaban parte de la vida cotidiana, los artistas del pop art acercaban el arte al pueblo.
1.2 RICHARD HAMILTON (1922-2011)
Se le considera el pionero del pop art británico con su serie "¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?", que se convirtió en un manifiesto del movimiento. En la obra aparecen representativos elementos de la cultura de consumo estadounidense: una chica de revista, un culturista que sostiene un enorme chupa-chups, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de cómic, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato antiguo de un antepasado, todo bajo el planeta tierra a modo de techo.
1.3 ROY LICHTENSTEIN (1923-1997)
Pintor y escultor, autor de la vertiente más creativa del pop art estadounidense. Es famoso por sus óleos e imágenes comerciales de producción masiva, basados en anuncios publicitarios y en personajes de dibujos animados y de tiras de cómics. Se caracterizó por su afinidad con las técnicas de reproducción. En su obra es destacable el empleo de puntos, los contornos marcados y el uso de brillantes colores primarios.
El arte pop español se desarrolló más tarde, entre los años 1960 y 1970, y fue la voz crítica de la falta de libertades sociales y políticas del franquismo. Se mezclaba lo cotidiano con imágenes históricas y típicas de la cultura española. Su foco más destacado fue el valenciano, que va estrechamente unido a la obra del Equipo Crónica (activo desde 1964 y 1981), del Equipo Realidad (1966-1976) y de Juan Genovés (1930). Con la llegada de la democracia, fue el movimiento artístico que mejor plasmó esa época de cambio.
1.2 RICHARD HAMILTON (1922-2011)
Se le considera el pionero del pop art británico con su serie "¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?", que se convirtió en un manifiesto del movimiento. En la obra aparecen representativos elementos de la cultura de consumo estadounidense: una chica de revista, un culturista que sostiene un enorme chupa-chups, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de cómic, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato antiguo de un antepasado, todo bajo el planeta tierra a modo de techo.
1.3 ROY LICHTENSTEIN (1923-1997)
Pintor y escultor, autor de la vertiente más creativa del pop art estadounidense. Es famoso por sus óleos e imágenes comerciales de producción masiva, basados en anuncios publicitarios y en personajes de dibujos animados y de tiras de cómics. Se caracterizó por su afinidad con las técnicas de reproducción. En su obra es destacable el empleo de puntos, los contornos marcados y el uso de brillantes colores primarios.
El arte pop español se desarrolló más tarde, entre los años 1960 y 1970, y fue la voz crítica de la falta de libertades sociales y políticas del franquismo. Se mezclaba lo cotidiano con imágenes históricas y típicas de la cultura española. Su foco más destacado fue el valenciano, que va estrechamente unido a la obra del Equipo Crónica (activo desde 1964 y 1981), del Equipo Realidad (1966-1976) y de Juan Genovés (1930). Con la llegada de la democracia, fue el movimiento artístico que mejor plasmó esa época de cambio.
2- NUEVA FIGURACIÓN
Es un movimiento que
plantea la vuelta a la figuración, representando la realidad social
del momento bajo una actitud cínica, cruel y de burla. La
abstracción geométrica había caído en declive y algunos artistas
retoman el uso de la figura. La nueva figuración preconizaba un
retorno al objeto y a la realidad cotidiana. Se vuelve a representar
la realidad (iconicidad), en particular la figura humana, pero con
las técnicas del informalismo. Suele tener un sentido de denuncia
social. Se aprecian tendencias expresionistas, en las que se adoptan
formas orgánicas deformadas o monstruosas.
Se desarrollan dos
orientaciones de este movimiento:
-
La caracterizada por el análisis de la imagen y de sus estructuras (Adami, Raysse, Klasen, Proweller).
-
La centrada en la realidad social y política contemporánea (Arroyo, Equipo Crónica, Canogar, Aillaud, Parré).
2.1- FRANCIS BACON
(1909-1992)
Fue un pintor
anglo-irlandés de estilo figurativo idiosincrásico, caracterizado
por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el
plano intencional. Toda su trayectoria se caracteriza por una
profunda independencia, que hace que su pintura sea un referente
inconfundible del arte europeo de la segunda mitad del siglo XX.
Influyó, en gran
medida, en los artistas del movimiento Pop inglés. La visión
atormentada de Bacon llamaba la atención de un público traumatizado
por la experiencia de la guerra y todos sus males. Elige la figura
humana como motivo central de sus cuadros, y la somete a alteraciones
y deformaciones hasta un nivel no conocido con anterioridad el la
historia del expresionismo. En sus retratos, autorretratos, o
composiciones más complejas, los cuerpos mutilados, los órganos
atrofiados y todo tipo de anomalías anatómicas, dan como resultado
una imagen de horror que se inserta en un espacio indefinido, de
fondos monocromáticos, que comunica una sensación de aislamiento y
claustrofobia.
2.2- JEAN DUBUFFET
(1901-1985)
Este pintor y escultor
francés, fue un gran innovador. Su nombre está vinculado al “art
brut”, tendencia que toma como referencia el arte popular, el arte
de l@s niñ@s o el de los enfermos mentales.
Se aspira con ello a una forma de creación en la que la
espontaneidad y el instinto prevalezca sobre la razón y la formación
técnica.
Su actitud provocó al
principio un gran escándalo, pero al final de sus días Dubuffet
gozaba ya de renombre y consideración mundiales. El carácter
primario del impulso creativo se vale de materiales que se unen a la
pintura, como arena, barro, yeso o detritus orgánicos.
A partir de 1966 se
dedicó principalmente a esculturas y montajes, algunos de los
cuales, de gran tamaño, se encuentran en diversas ciudades europeas.
En estas obras otorga una nueva dignidad a los materiales de desecho.
En los últimos años, principalmente en las obras pictóricas,
aplicó el color con menos violencia y de forma más estudiada,
creando composiciones menos agresivas y que encierran algo de
lirismo.
3- EL HIPERREALISMO
Con esta tendencia
vanguardista, el realismo llega a su cima. La obra pictórica se
acerca al objetivismo de una cámara fotográfica. Surge en EEUU a
comienzos de los años setenta. Se basa en un acusado realismo y en
la minuciosidad. El resultado es una pintura muy fría, sin
sentimientos. En EEUU se pintan objetos de consumo e imágenes de
publicidad.
Destacan pintores como
Chuck Close, Dan Eddy, y en España Antonio López García.