LA ESCULTURA GRIEGA. LOS GRANDES MAESTROS DEL SIGLO V. POLICLETO Y FIDIAS.

1- El ARTE GRIEGO: CONTEXTO HISTÓRICO Y ARTÍSTICO.

Durante los siglos VIII a. C. y VII a. C. de nuestra era nacieron y se desarrollaron por el Mediterráneo una serie de culturas que marcarán toda la Historia de Occidente. Entre ellas destacó la Cultura Griega.

La Cultura Griega hunde sus raíces en la Cultura Minoica (Cretense) y Micénica (Micenas), y su poderosa civilización, especialmente en el ámbito artístico, fue decisiva para el desarrollo posterior de la Cultura romana.

Grecia se llegó a convertir en una de las grandes civilizaciones de la Antigüedad de la Edad Antigua, junto a Egipto, Mesopotamia y Roma. Destacó en grandes disciplinas como en la política y en la filosofía. En Grecia se fraguó la Democracia, y pensadores como Platón o Aristóteles marcarán el pensamiento de toda la cultura y occidental. Asimiló las influencias culturales egipcias y orientales para crear un estilo propio definido, que irá evolucionando hasta la llegada del helenismo en época de Alejandro Magno.

Grecia fue una civilización agraria y comercial. Sus actividades económicas más importantes fueron la agricultura, la ganadería, la minería y el comercio. Fue una civilización cosmopolita, con un gran desarrollo urbano. El Clima Mediterráneo, con muchos días de sol y de buenas temperaturas, incitaba a hacer vida en la calle. En Grecia el urbanismo tendrá un gran desarrollo, ordenado y de trazado organizado a partir del trabajo de Hipodamos de Mileto para el puerto de su propia ciudad. La plaza pública o “Ágora” será un gran centro neurálgico para la población. 

De sobra conocidas son las ciudades-estado griegas, entre las que destacaron Atenas y Esparta, con modelos políticos y sociales muy diferentes. 

La necesidad de tierras y de minerales, llevó a Grecia a fundar colonias por todo el Mediterráneo, provocando su hegemonía política, cultural y comercial en la zona.

Fue también una civilización guerrera, con un gran protagonismo del ejército. Las guerras con los persas (Guerras Médicas) y los conflictos armados entre sus propias ciudades (Guerras del Peloponeso), determinaron el rumbo de su Historia.

Su religiosidad impregnó el Arte y la Cultura. Los griegos eran Politeístas, y sus numerosas deidades  con sus agitadas aventuras, inspirarán elmundo iconográfico griego.

La belleza es el concepto estético que predomina en el arte griego, el cuerpo humano es el modelo esencial de toda belleza y proporción, antropocentrismo. Este arte se apoya en la naturaleza y tiende a la creación de un mundo idealizado.

2- CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA GRIEGA:

Para los griegos, la escultura era una de las actividades más importantes de la expresión artística. Los ideales del pueblo griego brillan en la escultura. Sus creaciones señalan una de las cimas de toda la historia del arte.  

Evoluciona de forma clara, lenta, pero perceptible a lo largo de los siglos. Si la simetría y la frontalidad son elementos importantes en la escultura arcaica, romperán ambas reglas con el tiempo y dotarán a las figuras de una movilidad y expresividad admirables. La escultura evolucionó desde la primera etapa donde predominan las figuras esquemáticas, pasando por un realismo idealizado típico de la época clásica, hasta llegar al arte realista de la etapa helenística.

Los escultores plasman en la figura humana sus concepciones de belleza física y equilibrio espiritual. la búsqueda de la belleza se basa en la proporción y en el equilibrio de las partes (canon), como sucedía en arquitectura. La belleza lleva a una anatomía armoniosa, que idealiza el cuerpo humano. La expresión, como exteriorización de los sentimientos, acompañará a estos cuerpos. Hay una fusión entre la vertiente espiritual del hombre y su fachada física.

El movimiento es otro objetivo de la escultura. En los ángulos de los frontones los artistas aprenden a doblar la figura o a relacionar dinámicamente los grupos.

Otro rasgo importante de la escultura griega es el naturalismo. Ya desde el siglo VII a. C intentan imitar en sus obras la realidad (mímesis). El realismo debía alcanzarse por medio de la razón y la experiencia. Como consecuencia se intenta reproducir la naturaleza, y en ella está incluida el ser humano. Posteriormente este realismo dará paso a una clara idealización.

Las esculturas en piedra estaban policromadas, aunque la mayoría de los colores se han perdido.

  

En cuanto a la temática, la escultura griega está fundamentalmente basada en el estudio del cuerpo humano, y  es figurativa. La temática de la escultura griega (tanto en bulto redondo como en relieve) la podríamos clasificar así: dioses y diosas (antropomorfizados), bien aislados, o bien formando grupos, atletas vencedores de los juegos diversos que había en Grecia. escenas mitológicas, leyendas de los héroes de la antigüedad griega y monumentos conmemorativos.

Por otra parte, lo que podríamos llamar arte decorativo -cerámica, relieves de toda clase, figurillas de metal o terracota- se reduce a un papel secundario.

En cuanto a los materiales, la mayoría de las esculturas son de piedra y especialmente de mármol. Desgraciadamente, se han perdido los colores de esta escultura griega (en bulto redondo o en relieve). No sólo las vestiduras, los cabellos, los ojos y labios estaban pintados, sino que algunos detalles, como bordados o diversos accesorios del traje, no se indicaban más que por la pintura. Las carnes recibían un tratamiento especial a base de ceras claras. Esta viva policromía hacía a la obra plástica más alegre e inteligible.

El bronce era el material favorito para realizar estatuas exentas. Pero las obras que han sobrevivido están hoy fuertemente oxidados, aunque los antiguos impedían su formación mediante limpiezas frecuentes. El color propio de los bronces era el del metal brillante. En los ojos incrustaban una pasta de vidrio; los labios se recubrían de una hoja de cobre rojo; los dientes con frecuencia eran representados por una plaquita de plata cincelada. Todos estos efectos (postizos), que han desaparecido, intentaban conferir a la estatua una especie de policromía de tendencia realista.

La técnica más preciada era la criselefantina (oro y marfil), reservada a la divinidad.

EL principal problema de la escultura griega es la falta de obras originales. Quedan pocos mármoles de los siglos V y IV, si se exceptúan los relieves monumentales: frontones, metopas y frisos. Ante la carencia de originales, la escultura griega es conocida por copias de mármol de época romana, cuando los Césares y los miembros de la aristocracia imperial mandaban reproducirlas para adornar sus palacios, villas, temas, etc.

La técnica para fundir los bronces era en, la época clásica, la de la cera perdida. Primero se hacía un soporte con un modelado ya aproximado de la escultura que se deseaba realizar. Sobre él iba la cera, donde ya se acababa el modelado, la talla y las incisiones. La cera se recubría de una mezcla de ladrillo, yeso y agua, para formar una pasta porosa. Se echaba el bronce fundido, que ocupaba la capa de cera. Se remataba la obra ya con el cincel. 

Los cuatro períodos arqueológicos, que tras un prolongado silencio artístico siguieron al micénico, se distinguen del siguiente modo. En ellos hay una clara evolución de la escultura griega.

1. El período de formación, desde aproximadamente el 620 a. C. al 540 a. C.
2. El período arcaico, desde el 540 a. C. al 460 a. C.
3. El período de perfección o clásico: Desde mediados del Siglo V a. C. (450 aprox.), hasta finales del siglo IV a. C.
4. El período helenístico: después de la muerte de Alejandro Magno a finales del siglo IV a. C., hasta la dominación romana en el siglo I a. C.

Si nos centramos en la etapa clásica, se produce un avance hacia el naturalismo. Se abandona la frontalidad. De esta manera se consigue un movimiento más natural, se elimina la rigidez arcaica y se dota a la figura de mayor equilibrio y armonía.

Los rostros presentan una expresión más serena y los cabellos y ropajes reciben un tratamiento más naturalista, dando así una apariencia de vida y de libertad que antes no poseían.

La anatomía humana se conoce mejor, y se trata de llegar a la máxima perfección, es decir, a la belleza ideal.

Las obras representativas de la transición hacia el clasicismo son el "Auriga de Delfos", el "Poseidón o Zeus de Artemisón", el "Trono Ludovisi", y los frontones del templo de Zeus en Olimpia.

Tradicionalmente el clasicismo se ha dividido en tres etapas:

1- El primer clasicismo o estilo severo (primera mitad del siglo V a. C.), etapa representada principalmente por los escultores Mirón y Policleto. Mirón rompió con las convenciones de la época arcaica y dotó de movimiento a las figuras, aunque aún faltaba expresión y estudio psicológico. Su principal mérito fue representar el cuerpo humano en tensión, con posturas forzadas en un equilibrio inestable. Entre sus obras más conocidas destacan "El Discóbolo" y el grupo de "Atenea y el sátiro Marsias".

2- El clasicismo pleno (segunda mitad del siglo V a. C.), del que Fidias  y Policleto serán sus máximos representantes.

3- Clasicismo del siglo IV a. C., periodo en el que destacan Praxiteles, Scopas y Lisipo. La producción artística de Praxiteles se caracteriza por lo sutil y refinado de las formas, con un halo de sensualidad y delicadeza.Su famosa "curva praxiteliana" proporciona una forma sinuosa a sus figuras. Éstas se arquean suavemente buscando un punto de apoyo ajeno, lo que les obliga a doblar una pierna para apoyarse en la otra y arquear la cadera. Entre sus obras destacan "Hermes y el niño Dionisos",el "Apolo Sauróctono" y la "Venus de Cnido". Con Scopas desaparece la serenidad clásica y aparecen temas trágicos y personajes atormentados y pasionales. Entre sus obras destacan "La cabeza de Meleagro", la "Ménade" y la decoración del friso este del mausoleo de Halicarnaso. En este último narra la lucha entre griegos y amazonas, y se contemplan figuras agitadas y de gran dramatismo que dejan al descubierto parte de los cuerpos.

3- LOS GRANDES MAESTROS DEL SIGLO V. POLICLETO Y FIDIAS.

3. 1 POLICLETO:

(Sicione, h. 480 o 475-420 a. C.). Escultor griego. Ciudadano de Argos, localidad de gran tradición broncista en la que se forma. Su atención se centra en los problemas de la representación del cuerpo humano desnudo. Apasionado de la simetría y el equilibrio, escribió un tratado, El canon, en el que muestra su meticuloso sistema de proporciones, basado en un módulo que articula las diferentes partes del cuerpo. Su Canon de las 7 cabezas: para él es la proporción perfecta del cuerpo humano: la cabeza es la séptima parte de la longitud total del cuerpo. 

Para Policleto la belleza se identifica con la proporción y elaboró una serie de reglas que había que conseguir para representar el cuerpo humano de forma perfecta. Otra de las aportaciones de Policleto fue la introducción en sus figuras del contrapposto, que producía un movimiento armónico del cuerpo.







Ejemplarizó esta teoría en su Doríforo (h. 450-440 a. C.), copia en mármol del original en bronce. Representa a un joven lancero, lo que hoy sería un lanzador de jabalina, que ha quedado vencedor en un campeonato. No le preocupa la expresión ni la psicología del personaje representado, sólo la anatomía. Apoya el peso del cuerpo sobre una sola pierna que se encuentra en un plano diferente a la otra, el torso sigue el movimiento, implicando con él a la espalda y la cabeza. Mide 2,12 mt. de altura. Hay múltiples copias.

Realiza una estatua colosal y crisoelefantina de Hera, que aparece como miniatura en las monedas de Argos, un importante centro en el culto panhelénico. En el 440 a. C., en la plenitud de su carrera, se traslada a Atenas atraído por las obras de la Acrópolis dirigidas por Fidias. De esta época ateniense resaltan dos obras: Amazona para el Artemision de Éfeso y El Diadumeno (430 a. Cto., Museo Nacional de Atenas), copia romana en mármol del original en bronce. Muestra a un atleta que se ata una cinta en el pelo. Es el modelo más claro de la aplicación de su canon de las 7 cabezas. Tiene más de treinta copias, una de ellas en Madrid. El desnudo es más perfeccionista que el del Doríforo. Tiene un mayor tratamiento del cabello. Mide 1,86 mt. de altura.
Realizado en bronce, al igual que el Doríforo, solo se han conservado copias romanas en mármol. 

     DORÍFORO



      DIADUMENO

3.2 FIDIAS

Fidias, en griego antiguo Φειδίας / Pheidias (Atenas, hacia 490 a. C. – Olimpia, h. 431 a. C.), además de escultor, fue pintor y arquitecto, perteneciente al primer clasicismo griego. 

Fue el artista más famoso del mundo clásico, y el maestro que llevó la escultura a las cotas más altas de perfección y armonía. Apenas se sabe nada de su formación, si bien se cree que tenía experiencia como grabador, pintor y repujador. Vivió en la época de Pericles, gran estadista empeñado en hacer de la Acrópolis de Atenas un signo majestuoso de la grandeza de la ciudad, que se convirtió en el principal protector de Fidias, encargándole trabajos como la dirección de obras de la Acrópolis de Atenas, así como numerosas estatuas y grabados.

Fidias. Nació en Atenas, Grecia. Artista que por sus obras es considerado representante emblemático de la escultura griega. Sus trabajos más importantes y conocidos fueron realizados para formar parte del templo Partenón, cuya construcción fue ordenada por Pericles. Fidias fue el arquitecto, director de obras y decorador a cargo de este proyecto y para ello esculpió varias obras que en nuestros días aun son ejemplo de escultura helénica clásica. 

Debido a los destrozos y saqueos causados por invasiones extranjeras, pocos trabajos originales del maestro se conservan hasta hoy. En el interior del Partenón creó dos estatuas gigantes cuyos originales ya no existen y en su exterior labró el mármol en forma magistral logrando la combinación perfecta de sus tallados y el estilo Jónico utilizado en las edificaciones atenienses más refinadas. De estos esculpidos con escenas históricas, religiosas y mitológicas aun se guardan fragmentos. 

Fidias ejecutó sus obras en mármol, bronce y también materiales de alto valor como marfil y oro. Existen varias réplicas de sus estatuas, que otros artistas griegos de la antigüedad esculpieron para mantener vivo su magnífico legado. La escuela de escultura griega es sin duda parte fundamental del inicio y desarrollo universal de este arte. De ella nace la corriente inspiradora que llevó a otros pueblos europeos a conferir a esta plástica una importancia mayor que a otras artes, a veces incluso cercana a lo divino, y que sólo fueron logradas por escultores de máximo nivel.

Podemos dividir sus obras en dos grupos:

1- OBRAS EXENTAS: realizó varias estatuas de la diosa Atenea (Atenea Lemnia, Atenea Promakhos) las cuales conocemos por copias. Pero es la Atenea Parthenos la más importante. La estatua criselefantina, de oro y de marfil, se situó en la cella del Partenón y se conoce a través de copias antiguas. Otra obra importante es la estatua sedente del "Zeus Olímpico", destinada a la cella que lleva su nombre, que no se conserva.

2- RELIEVES DEL PARTENÓN. Fidias es el responsable de la decoración escultórica del Partenón de Atenas. En los frontones oriental y occidental representó el nacimiento de Atenea y la lucha entre Atenea y Poseidón. Introduce una técnica nueva, "técnica de los paños mojados" o transparencias de ropajes, muestra de un mayor estudio de la anatomía femenina y un mayor naturalismo. 
En las metopas de la parte norte del Partenón el tema de los relieves es la destrucción de Troya; en el sur, la centauromaquia (lucha entre centauros y lapitas); en la parte oriental, la gigantomaquia (lucha entre gigantes y dioses); y en la occidental, la amazonomaquia (lucha entre amazonas y atenienses). En los personajes hay agitación conseguida con escorzos de gran dinamismo.
En los frisos del interior de la cella se sitúa el famoso relieve que representa la procesión de las Panateneas, doncellas que cada cuatro años llevaban en comitiva el peplo tejido en honor de la diosa Atenea.